검은 옷을 입은 젊은 남자가 정면에서 얼굴을 돌리고 시선을 그림의 경계 너머로 향하고 있는 동안, 화려한 색깔의 앵무새 한 마리가 그의 앞 턱에 앉아 있다. 니콜로 델라바테의 유화 작품인 < 앵무새를 든 남자> 는 캔버스에 유채로 그려졌으며, 크기는 125 × 109cm이고 빈 미술사 박물관에 소장되어 있다. 박물관은 현재 이 작품을 1535년 또는 1540년경 작품으로 추정하고 있으며, 이탈리아, 특히 에밀리아 지방의 작품으로 분류하고 있다. 그러나 다른 분류 체계에서는 이 작품을 1540년대 작품으로 더 폭넓게 보기도 한다.
이 그림은 델라바테가 1552년 프랑스로 떠나기 전, 그리고 프란체스코 프리마티치오와 함께 퐁텐블로에서 후기 작업을 하기 전, 그의 초기 작품에 속합니다. 모데나에서 태어난 이 화가는 에밀리아 지방의 예술 문화 속에서 성장했으며, 그의 초기 작품들은 파르미지아노와 관련된 우아하고 길쭉한 화풍과의 유사성을 보여줍니다. < 앵무새를 든 남자 >에서는 그러한 세련미가 보다 차분한 형태로 나타나는데, 인물은 공식 초상화에서 볼 수 있는 딱딱한 정면 구도나 정교한 건축적 배경을 지니지 않았기 때문입니다. 대신, 의상, 몸짓, 탁 트인 풍경, 녹색 커튼, 이국적인 새, 그리고 석류가 섬세하게 절제된 교양 있는 존재감을 만들어냅니다.
앵무새를 든 남자: 궁정의 정체성과 회화적 세련미
수평 선반 뒤에 반신상만 보이는 젊은 남자는 대부분의 빛을 흡수하는 검은 옷을 입고 있는데, 처음에는 주변의 어두운 공간과 거의 하나로 연결된 것처럼 보인다. 그 넓은 공간에서 얼굴과 선명한 대비를 이루는 흰색 칼라와 소매, 그리고 손이 드러난다. 델라바테는 이렇게 빛이 비치는 부분을 절제하여 사용함으로써 작품의 시각적 위계가 색조의 집중도에 따라 결정되도록 했다. 얼굴이 먼저 드러나고, 그 다음 손, 그리고 아래쪽에 있는 놀라운 붉은색 앵무새의 몸통이 차례로 나타난다.
16세기 초상화가들에게 검은색 옷은 특별한 화풍을 가능하게 했습니다. 여기서는 화가가 시선을 분산시키는 표면의 무늬를 억제하고 인물의 자세와 인상에 집중할 수 있도록 해줍니다. 그럼에도 불구하고 젊은 남자의 옷은 세심하게 제작된 것처럼 보입니다. 어두운 모자가 그의 이마에 낮게 얹혀 있고, 그 위에는 유난히 큰 옅은 색 깃털이 얹혀 있는데, 부드러운 깃털의 섬유가 머리 위로 휘어져 어두운 배경 속으로 사라집니다. 그 뒤로는 두꺼운 녹색 커튼의 주름이 캔버스 오른쪽 윗부분을 가로질러 펼쳐져 있습니다. 깃털과 커튼은 서로의 곡선에 반응하는데, 하나는 가볍고 유려한 반면 다른 하나는 더 무게감 있고 건축적인 느낌을 줍니다.
3/4 측면에서 바라본 인물의 눈은 더욱 옆으로 향하고 있어, 그의 시선이 그림 밖의 무언가로 잠시 옮겨간 듯한 인상을 준다. 델라바테는 과장된 감정 표현을 피한다. 다문 입, 긴 코, 섬세하게 표현된 뺨, 그리고 경계하는 듯한 시선은 어느 정도 절제된 모습을 보여주지만, 얼굴은 무표정하기보다는 개성을 드러낸다. 델라바테의 화풍에 대해 논의할 때, 국립미술관은 화가 특유의 정밀함, 기교적인 얼굴 표현, 그리고 때로는 금속적인 색채 효과를 언급하는데, 이러한 정밀함은 특히 눈 주변과 밝은 뺨에서 그림자로 이어지는 부분에서 두드러진다.
앵무새와 석류
전경에는 완전히 다른 색채의 연속이 펼쳐져 있다. 주로 붉은색이며 날개에는 노란색과 더 어두운 깃털이 섞인 앵무새가 긴 꼬리를 왼쪽으로 뻗은 채 난간 위에 서 있다. 옅은 갈고리 모양의 부리와 밝은 얼굴 부분은 젊은 남자의 검은 옷과 뚜렷하게 대비된다. 작품에서 충분히 큰 비중을 차지하여 부차적인 주인공 역할을 하는 이 새는 석류와 함께 작품에 대한 역사적 설명에서 초상화의 특징으로 명시적으로 언급된다.
맨 오른쪽 소매의 어둠 속에서 또 다른 손이 나타납니다. 검은색 천 때문에 처음에는 팔 자체를 구분하기 어렵지만, 흰색 소맷단이 옷과 살 사이의 경계를 만들어 줍니다. 해부학적으로 손목의 위치와 어두운 옷의 연속성을 보면 이 손도 같은 인물의 손임을 알 수 있습니다. 손에는 껍질이 벌어진 석류가 들려 있는데, 석류 안에는 붉은 씨앗들이 빽빽하게 들어 있고, 작은 잎사귀들도 보입니다.
화가는 따라서 살점, 흰색 린넨, 진홍색 새, 노란 깃털, 붉은 과일, 녹색 잎사귀와 같은 여러 색채적 악센트를 하단 가장자리에 집중시켰습니다. 거의 끊김 없이 이어지는 검은색 몸통과 대비되어 이러한 색채들은 특이한 강렬함을 얻습니다. 새는 석류를 든 손을 향해 고개를 돌리고 있는데, 이는 전경의 양쪽을 연결하여 작품을 서사적인 장면으로 만들지 않으면서도 작은 서사적 긴장감을 조성합니다.
르네상스 시대 이미지에서 석류는 여러 가지 의미를 내포할 수 있었습니다. 기독교적 맥락에서 석류의 많은 씨앗은 단결을 상징하는 데 사용되었고, 다른 전통에서는 석류를 다산과 풍요와 연결지었습니다. 종교화에서는 희생과 부활을 연상시키기도 했습니다. 그러나 델라바테의 그림에 이러한 의미 중 하나를 엄격하게 적용하는 것은 남아 있는 증거만으로는 충분하지 않습니다. 그림 속의 젊은 남자의 신원 미상, 세속적인 배경, 그리고 앵무새와의 조합은 정확한 의미를 해석하는 데 여지를 남겨두기 때문입니다.
새에 대해서도 같은 주의가 필요합니다. 앵무새는 유럽 종교 이미지에서 상징적인 의미를 지녔지만, 동시에 이국적인 특성으로 인해 특별한 소유물이나 전시 대상으로 여겨지기도 했습니다. 르네상스 시대와 근대 초기 유럽에서 앵무새에 대한 관심은 그 희귀성과 사치품 및 살아있는 동물의 장거리 이동과 밀접한 관련이 있었습니다. 이 작품에서 앵무새는 최소한 의도적으로 눈에 띄도록 표현된 것으로 볼 수 있습니다. 값비싸 보이고, 선명한 색을 띠고 있으며, 시각적으로 독특합니다. 당대 관람객이 어떤 다른 의미를 부여했든 간에, 델라바테는 앵무새의 물질적인 화려함을 결코 간과할 수 없도록 만들었습니다.
실내, 풍경, 그리고 깊이감의 구성
젊은이 뒤편으로 구도는 확연히 다른 두 공간 영역으로 나뉜다. 오른쪽 위쪽은 녹색 커튼이 막고 있는데, 주름진 천이 넓게 아래로 휘어져 있다. 왼쪽에는 직사각형 틈으로 가느다란 나무와 흩어진 잎사귀들이 있는 어두운 풍경이 드러난다. 차분하고 거의 밤의 분위기를 자아내는 색조의 이 풍경은 그럼에도 불구하고 그림이 단순한 인물과 중립적인 배경의 그림으로 전락하는 것을 막아준다.
그 작은 틈은 또한 원근감을 조성합니다. 앞쪽으로는 턱, 뒤쪽으로는 커튼과 벽으로 둘러싸인 인물은 얕은 내부 공간에 속해 있는 반면, 틈 너머에는 더 멀리 떨어진 또 다른 세계가 펼쳐져 있습니다. 델라바테는 특히 프랑스에서 활동하던 시기에 풍경화와 정교한 장식 구성으로 유명해졌습니다. 내셔널 갤러리는 퐁텐블로의 대규모 장식 작업에 참여한 그의 작품들과 함께 독립적인 풍경화들을 소개하고 있습니다. 이 초기 작품에서 풍경은 독립적인 주제라기보다는 부차적인 통로, 잠깐 스쳐 지나가는 듯한 모습으로 표현되어 있습니다.
턱 또한 중요한 역할을 합니다. 턱은 젊은이 바로 앞에 수평적인 경계를 만들어내지만, 손과 새, 과일은 그 경계를 활성화시키고 시각적으로 구도를 앞으로 끌어당깁니다. 앵무새의 꼬리는 턱과 거의 평행하게 놓여 있다가 왼쪽 아래를 가로질러 대각선으로 꺾입니다. 위쪽에서는 보이는 손이 같은 평면을 향해 내려오고 있으며, 넓게 벌어진 손가락은 또 다른 사선 움직임을 만들어냅니다.
이 대각선들과 커튼의 커다란 곡선 사이에서, 깃털은 위에, 커튼은 뒤에, 손은 아래에, 새는 전경을 가로지르며 젊은 남자의 절제된 표정이 암시하는 것보다 훨씬 더 생동감 넘치는 구도가 만들어집니다.
Niccolò dell'Abate의 초기 초상화
델라바테가 프랑스 궁정으로 본격적으로 진출하기 전에 제작된 이 그림은, 그가 모데나에서 시작하여 볼로냐에서 발전시킨 후 1552년 프랑스로 건너가 퐁텐블로 학파와 연관된 이탈리아 화가 중 한 명이 되기까지의 그의 화풍을 보여줍니다. 따라서 <앵무새를 든 남자>는 작가가 이미 그의 후기 화풍에서 중요한 요소로 남을, 길고 세련된 표현, 절제된 인위성, 그리고 궁정의 우아함을 탐구하기 시작했던 이탈리아 시기에 속하는 작품입니다.
하지만 이 작업은 세밀한 관찰에 의존하기도 합니다. 깃털은 밝게 빛나는 가장자리를 따라 한 올 한 올 구별되고, 새의 깃털은 붉은색에서 노란색, 그리고 짙은 갈색으로 변하며, 석류는 씨앗들이 촘촘하게 배열된 모습으로 펼쳐집니다. 이러한 부분들은 개별적인 형태가 거의 사라지는 넓고 어두운 덩어리들과 공존합니다.
아마도 가장 눈에 띄는 것은 젊은이와 이 사물들 사이의 관계일 것이다. 그는 앵무새를 의식적으로 건네지도 않고, 앵무새를 바라보지도 않으며, 그의 시선은 다른 곳으로 향한다. 한편, 새는 그림 가장자리에 놓인 과일 쪽으로 고개를 돌린다. 인간의 시선과 동물의 시선이 서로 다른 방향으로 움직이면서, 겉보기에는 안정된 초상화에 특이하게 분산된 시각적 구조를 부여한다.
작품 제목에는 인물의 신원이 명시되어 있지 않으며, 베를린 미술사박물관은 이 작품을 단순히 < 앵무새를 든 남자>(Mann mit Papagei) 로 기록하고 있습니다 . 또한, 박물관은 이 작품을 1890년에 소장품 목록에 추가하면서 오래된 소장품으로 분류했습니다. 확실한 신원 확인이나 제작 의뢰 기록이 없기 때문에, 의상, 배경, 소품 등을 통해 역사적 해석을 해야 할 것입니다.
델라바테는 사물에 상당한 무게감을 부여합니다. 검은 천과 흰 리넨, 녹색 벨벳 같은 휘장, 깃털, 과일, 살점, 멀리 보이는 초목: 각각은 인물의 얼굴에 부차적인 존재이면서도 고유한 질감을 지니고 있습니다. 그러나 난간을 따라 놓인 특이한 붉은 새는 이러한 위계질서를 깨뜨립니다. 새의 색깔은 어두운 옷과 대비되어 강렬하게 빛나고, 반대편 가장자리에 있는 석류는 그에 화답하듯 그 색깔을 띠며, 그 사이에는 그림 속에서 이름이 알려지지 않은 젊은 남자의 손이 놓여 있습니다.
(번역본은 A. 오르파노스가 교정했습니다.)